Summary: ℗ 1982 EMI
Feito no Brasil

A Big Science levou estudantes de arte da moda do início dos anos 80 a conectar seus sintetizadores e iniciar seus próprios projetos pós-punk de arte performática e rock & roll. Houve uma reação contra Laurie Anderson nos círculos musicais e artísticos "sérios" após o sucesso comercial completamente inesperado de seu álbum de estreia, Big Science. (O single de mais de oito minutos "O Superman" foi um sucesso nas paradas da Inglaterra, inacreditavelmente.) Uma audição justa de Big Science deixa a impressão de que o ciúme deve ter estado na raiz da recepção, porque Big Science não é de forma alguma uma venda comercial. Uma coleção atenciosa e muitas vezes hilariante de músicas do trabalho em andamento de Anderson, Estados Unidos I-IV, Big Science funciona tanto como uma prévia do trabalho maior quanto por seus próprios méritos. Abrindo com o art rock hipnótico de "From the Air", em que um piloto de avião menciona casualmente que ele é um homem das cavernas ao som de uma melodia cíclica tocada em uníssono por uma seção de palhetas de três partes, e a estranhamente bela faixa-título, que deve apresentar o yodeling mais inexpressivo de todos os tempos, o álbum dispensa frases espirituosas e comentários sociais perspicazes (o subtexto do álbum diz respeito à própria educação suburbana de Anderson, que ela vê com mais carinho confuso do que a ironia cansativa que muitos trouxeram ao assunto) e um senso de melodia surpreendentemente impressionante para alguém que até recentemente era um artista estritamente visual. Por exemplo, a marimba e o encerramento com palmas, "It Tango", é absolutamente bonito em intentionally clash with Anderson's harsh, nasal singing and mannered phrasing in "Sweaters" will annoy those listeners who can't take either Yoko Ono or Meredith Monk -- but Big Science is a landmark release in the New York art scene of the '80s, and quite possibly the best art rock album of the decade.

Tracks
1 From the Air Anderson 4:29
2 Big Science Anderson 6:14
3 Sweaters Anderson 2:18
4 Walking & Falling Anderson 2:10
5 Born, Never Asked Anderson 4:56
6 O Superman (For Massenet) Anderson 8:21
7 Example #22 Anderson 2:59
8 Let X = X Anderson 3:51
9 It Tango Anderson 3:01

Summary: ℗ 1986 RCA
Feito no Brasil

Home of the Brave, de 1986, é a trilha sonora de um filme composto por peças ao vivo que estreou durante a primeira turnê mundial de Laurie Anderson, promovendo Mister Heartbreak, de 1984. Apenas uma música desse álbum, uma versão radicalmente reformulada da participação especial de William S. Burroughs, "Sharkey's Night", aparece aqui; o resto do álbum é uma espécie de retorno à base da arte performática dos trabalhos anteriores de Anderson, como Big Science e United States I-IV. Como resultado, Home of the Brave tem uma qualidade estranhamente reaquecida, como se Anderson estivesse apenas seguindo o que aconteceu antes, enquanto incorpora trechos da nova direção mais musical que ela começou a explorar com Mister Heartbreak. (Até o título é um eco autoconsciente de Estados Unidos I-IV.) Há alguns sucessos aqui - "Language Is a Virus" é provavelmente o mais próximo que Anderson já chegou de uma música de rock real, e foi um hit menor na pista de dança e nas rádios universitárias - mas a abertura "Smoke Rings" continua muito longa com muito pouco e algumas das peças mais curtas parecem meio formadas. A faixa central, "Talk Normal", é divertida e tem uma melodia cativante que lembra os momentos de maior influência africana dos Talking Heads, mas o final, em que Anderson relata um incidente em que ela estava andando pela rua de seu bairro e ouviu duas mulheres descartando-a como "mais um daqueles clones de Laurie Anderson" quando ela passou, mostra o problema com Home of the Brave: Anderson havia se tornado muito constrangido. Não foi surpresa que Anderson tenha feito uma longa pausa após este lançamento para reavaliar seu lugar tanto na música quanto na arte.

Tracks:
1 Smoke Rings 7:00
2 White Lily 1:16
3 Late Show 4:30
4 Talk Normal 5:27
5 Language Is a Virus 4:10
6 Radar 2:01
7 Sharkey's Night 6:16
8 Credit Racket 3:28

Summary: ℗ 1984 EMI
Feito no Brasil

Provavelmente o trabalho gravado de Laurie Anderson mais acessível ao pop, Mister Heartbreak apresenta uma série de luminares impressionantes na vanguarda da música popular da época. O impressionante trabalho de guitarra do guitarrista do King Crimson, Adrian Belew, permeia este disco – notadamente em “Sharkey’s Day” – vigoroso e angular. A produção e o trabalho de baixo de Bill Laswell são excelentes. Peter Gabriel - na época ainda saindo do burburinho de sua saída do Genesis - participa de um dueto com Anderson em "Excellent Birds". Há uma forte dependência dos sintetizadores do início dos anos 80, o que normalmente seria muito desanimador, mas aqui eles são bem executados. Em nenhum lugar a música cai no clichê irreparável dos anos 80; ainda é uma audição divertida. As letras são típicas do trabalho de Anderson – complexas, letradas, provocativas, difíceis de compreender completamente. Haunting "Gravity's Angel" empresta imagens de Gravity's Rainbow, de Thomas Pynchon. A palavra falada em "Sharkey's Night" é feita pelo lendário William S. Burroughs. Esta é uma audição muito satisfatória e uma ótima introdução para quem não está familiarizado com o trabalho de Anderson.

Tracks
1 Sharkey's Day Anderson 7:41
2 Langue d'Amour Anderson 6:12
3 Gravity's Angel Anderson 6:02
4 Kokoku Anderson 7:03
5 Excellent Birds Anderson, Gabriel 3:12
6 Blue Lagoon Anderson 7:03
7 Sharkey's Night Anderson 2:29

Summary: ℗ 2014 Atlantic Recording Corp.
Made in Germany

Houses of the Holy segue o mesmo padrão básico do Led Zeppelin IV, mas a abordagem é mais solta e descontraída. Os riffs de Jimmy Page contam com refrões folk e vibrantes tanto quanto com o blues-rock estrondoso, dando ao álbum uma atmosfera mais leve e aberta. Embora o pseudo-reggae de "D'Yer Mak'er" e a afetuosa canção de James Brown "The Crunge" sugiram que a banda estava em busca de material, eles na verdade contribuem para a diversidade musical do álbum. “The Rain Song” é um dos melhores momentos de Zep, apresentando um arranjo de cordas crescente e uma melodia suave e dolorida. "The Ocean" é igualmente boa, começando com um groove de guitarra pesado e funky antes de entrar em uma seção a cappella e terminando com uma rave-up suingante e com sabor de doo wop. Com exceção do violento número de abertura, “The Song Remains the Same”, o resto de Houses of the Holy é bastante direto, variando desde a agourenta “No Quarter” e o hard rock pomposo de “Dancing Days” até a fusão épica de folk/metal “Over the Hills and Far Away”. Ao longo do disco, a forma de tocar da banda é excelente, fazendo com que o ecletismo das composições de Page e Robert Plant soe coerente e natural.

Tracks:
A1 The Song Remains The Same Written-By – Page*, Plant* 5:29
A2 The Rain Song Written-By – Page*, Plant* 7:39
A3 Over The Hills And Far Away Written-By – Page*, Plant* 4:50
A4 The Crunge Written-By – Page*, Bonham*, Jones*, Plant* 3:17
B1 Dancing Days Written-By – Page*, Plant* 3:43
B2 D'yer Mak'er Written-By – Page*, Bonham*, Jones*, Plant* 4:22
B3 No Quarter Written-By – Page*, Jones*, Plant* 7:02
B4 The Ocean Written-By – Page*, Bonham*, Jones*, Plant* 4:31

Summary: ℗ 1979 RCA
Feito no Brasil

Em algum lugar entre Presence e In Through the Out Door, o disco, o punk e a new wave ultrapassaram o rock & roll, e o Led Zeppelin optou por abraçar provisoriamente essas revoluções pop, adicionando sintetizadores à mixagem e enfatizando o jeito inerente de John Bonham com um groove. O número de abertura do álbum, “In the Evening”, com seus ritmos fortes e riffs pesados ​​e escalonados, sugere que o Zeppelin não se desviou de seu curso, mas no momento em que a confusão de “South Bound Suarez” entra em ação, é aparente que eles recuperaram o senso de humor. Depois de "South Bound Suarez", o grupo tenta uma variedade de estilos, seja uma homenagem exagerada ao condado de Bakersfield chamada "Hot Dog", a percussão e pianos em camadas com toques latinos de "Fool in the Rain" ou a balada sedutora "All My Love". "Carouselambra", um número cambaleante e conscientemente ambicioso, movido por sintetizadores, e o blues lento "I'm Gonna Crawl" não são tão impressionantes quanto o resto do álbum, mas o disco foi uma maneira graciosa de encerrar a carreira do Zeppelin, mesmo que não fosse o capítulo final.

Tracks:
A1 In The Evening Written-By – Page*, Jones*, Plant* 6:48
A2 South Bound Suarez Written-By – Jones*, Plant* 4:11
A3 Fool In The Rain Written-By – Page*, Jones*, Plant* 6:08
A4 Hot Dog Written-By – Page*, Plant* 3:15
B1 Carouselambra Written-By – Page*, Jones*, Plant* 10:28
B2 All My Love Written-By – Jones*, Plant* 5:51
B3 I'm Gonna CrawlWritten-By – Page*, Jones*, Plant* 5:28

Summary: ℗ 1969 WEA
Feito no Brasil

O Led Zeppelin tinha um som totalmente formado e distinto desde o início, como ilustra sua estreia homônima. Levando ao extremo o blues elétrico pesado e distorcido de Jimi Hendrix, Jeff Beck e Cream, Zeppelin criou uma marca majestosa e poderosa de rock de guitarra construída em torno de riffs simples e memoráveis ​​e ritmos pesados. Mas a chave para o ataque do grupo foi a sutileza: não foi apenas um ataque violento de ruído de guitarra, foi sombreado e texturizado, repleto de dinâmicas e andamentos alternados. Como prova o Led Zeppelin, o grupo foi capaz de criar músicas com múltiplas camadas desde o início. Embora o blues psicodélico estendido de "Dazed and Confused", "You Shook Me" e "I Can't Quit You Baby" muitas vezes atraiam mais atenção, o restante do álbum é uma indicação melhor do que viria depois. 'Babe I'm Gonna Leave You' muda de versos folk para refrões violentos; "Good Times Bad Times" e "How Many More Times" têm embaralhamentos descolados e blues; "Your Time Is Gonna Come" é um hard rock hino; "Black Mountain Side" é puro folk inglês; e "Communication Breakdown" é um rock frenético com um ataque quase punk. Embora o álbum não seja tão variado como alguns de seus esforços posteriores, ele marcou uma virada significativa na evolução do hard rock e do heavy metal.

Tracks:
A1 Good Times Bad Times Written-By – Page*, Bonham*, Jones* 2:43
A2 Babe I'm Gonna Leave You Arranged By – Page* Written-By – Traditional 6:40
A3 You Shook Me Written-By – Dixon* 6:30
A4 Dazed And Confused Written-By – Page* 6:27
B1 Your Time Is Gonna Come Written-By – Page*, Jones* 4:41
B2 Black Mountain Side Written-By – Page* 2:06
B3 Communication Breakdown Written-By – Page*, Bonham*, Jones* 2:26
B4 I Can't Quit You Baby Written-By – Dixon* 4:42
B5 How Many More Times Written-By – Page*, Bonham*, Jones* 8:28

Summary: ℗ 1969 WEA
Feito no Brasil

Gravado rapidamente durante as primeiras turnês americanas do Led Zeppelin, Led Zeppelin II forneceu o modelo para todas as bandas de heavy metal que o seguiram. Como o grupo só pôde entrar em estúdio por um breve período de tempo, a maioria das músicas que compõem II são padrões retrabalhados de blues e rock & roll que a banda tocava no palco na época. O curto espaço de tempo não apenas resultou na falta de material original, mas também tornou o som mais direto. Jimmy Page ainda forneceu camadas de overdubs de guitarra, mas o som geral do álbum é pesado e duro, brutal e direto. "Whole Lotta Love", "The Lemon Song" e "Bring It on Home" são todas baseadas em canções clássicas de blues - apenas os riffs são mais simples e mais altos e cada música tem uma seção estendida para solos instrumentais. Das seis músicas restantes, duas apresentam toques acústicos leves (“Thank You”, “Ramble On”), mas as outras quatro são rock pesado e direto que segue a fórmula das canções de blues renovadas. Embora o Led Zeppelin II não tenha o ecletismo da estreia do grupo, é sem dúvida mais influente. Afinal, quase todas as centenas de imitadores do Zeppelin usaram esse disco, com sua falta de dinâmica e seus riffs violentos, como um modelo.

Tracks:
A1 Whole Lotta Love Written-By – Page*, Bonham*, Jones*, Plant*, Dixon* 5:34
A2 What Is And What Should Never Be Written-By – Page*, Plant* 4:44
A3 The Lemon Song Written-By – Burnett*, Page*, Bonham*, Jones*, Plant* 6:19
A4 Thank You Written-By – Page*, Plant* 4:47
B1 Heartbreaker Written-By – Page*, Bonham*, Jones*, Plant* 4:14
B2 Living Loving Maid (She's Just A Woman) Written-By – Page*, Plant* 2:39
B3 Ramble On Written-By – Page*, Plant* 4:23
B4 Moby Dick Written-By – Page*, Bonham*, Jones* 4:21
B5 Bring It On Home Written-By – Dixon* 4:20

Summary: ℗ 1970 WEA
Feito no Brasil

Em seus dois primeiros álbuns, o Led Zeppelin lançou uma barragem implacável de blues pesados ​​e riffs de rockabilly, mas o Led Zeppelin III proporcionou à banda o espaço necessário para crescer musicalmente. Embora ainda existam alguns rocks metálicos, III é construído sobre uma base folk e acústica que dá profundidade extra à música. E mesmo os roqueiros não são tão diretos como antes: a galopante “Immigrant Song” é alimentada pelo lamento banshee de Robert Plant, “Celebration Day” vira o blues-rock do avesso com um riff de guitarra slide distorcido e “Out on the Tiles” se arrasta junto com um riff complicado e de várias partes. Mesmo assim, o coração do álbum está no segundo lado, quando a banda se aprofunda no folk inglês. "Gallows Pole" atualiza uma melodia tradicional com um toque ameaçador, e "Bron-Y-Aur Stomp" é uma brincadeira acústica contagiante, enquanto "That's the Way" e "Tangerine" são canções brilhantes com graciosos floreios country. A banda não deixou o blues para trás, mas o blues distorcido e gargalo de "Hats off to (Roy) Harper" na verdade supera o épico "Since I've Been Loving You", que é a única vez que o Zeppelin soa um pouco definido em seus caminhos.

Tracks:
A1 Immigrant Song Written-By – Page*, Plant* 2:26
A2 Friends Written-By – Page*, Plant* 3:53
A3 Celebration Day Written-By – Page*, Jones*, Plant* 3:30
A4 Since I've Been Loving You Written-By – Page*, Jones*, Plant* 7:24
A5 Out On The Tiles Written-By – Page*, Bonham*, Plant* 4:07
B1 Gallows Pole Arranged By – Page*, Plant* Written-By – Trad* 4:57
B2 Tangerine Written-By – Page* 3:11
B3 That's The Way Written-By – Page*, Plant* 5:37
B4 Bron-Y-Aur Stomp Written-By – Page*, Jones*, Plant* 4:17
B5 Hats Off To (Roy) Harper Arranged By – Charles Obscure Written-By – Trad* 3:42

Summary: ℗ 1971 WEA
Feito no Brasil

Abrangendo heavy metal, folk, rock & roll puro e blues, o quarto álbum sem título do Led Zeppelin é um disco monolítico, definindo não apenas o Led Zeppelin, mas o som e o estilo do hard rock dos anos 70. Expandindo as descobertas de III, o Zeppelin funde seu majestoso hard rock com um folk inglês rural e místico que dá ao disco um alcance épico. Mesmo em sua forma mais básica – o musculoso e tradicionalista “Rock and Roll” – o álbum tem um grande senso de drama, que só é aprofundado pela crescente obsessão de Robert Plant pela mitologia, religião e ocultismo. O misticismo de Plant vem à tona na misteriosa balada folk “The Battle of Evermore”, uma canção conduzida pelo bandolim com vocais assustadores de Sandy Denny, e no épico “Stairway to Heaven”. De todas as músicas do Zeppelin, “Stairway to Heaven” é a mais famosa, e não injustamente. Construindo desde um simples violão tocado a uma torrente de riffs de guitarra e solos, ele encapsula o álbum inteiro em uma música. O que, claro, não descarta o resto do álbum. “Going to California” é a melhor música folk do grupo, e os roqueiros são infinitamente inventivos, seja na complexa e multifacetada “Black Dog”, na sátira hippie “Misty Mountain Hop” ou nos riffs descolados de “Four Sticks”. Mas a mais próxima, “When the Levee Breaks”, é a única música verdadeiramente igual a “Stairway”, ajudando a dar ao IV a sensação de um épico. Uma fatia apocalíptica do blues urbano, “When the Levee Breaks” é tão forte e assustadora quanto o Zeppelin jamais foi, e seus ritmos sísmicos e dinâmicas em camadas ilustram por que nenhum de seus imitadores jamais poderia igualá-los.

Tracks:
A1 Black Dog Written-By – Jimmy Page, J.P. Jones*, Robert Plant 4:55
A2 Rock And Roll Written-By – Page*, Bonham*, Jones*, Plant* 3:40
A3 The Battle Of Evermore Written-By – Jimmy Page, Robert Plant 5:38
A4 Stairway To Heaven Written-By – Jimmy Page, Robert Plant 7:55
B1 Misty Mountain Hop Written-By – Page*, Jones*, Plant* 4:39
B2 Four Sticks Written-By – Jimmy Page, Robert Plant 4:49
B3 Going To California Written-By – Jimmy Page, Robert Plant 3:36
B4 When The Levee Breaks Written-By – Jimmy Page, John Bonham, John Paul Jones, Memphis Winnie*, Robert Plant 7:08

Mixed By: Keith Harwood

Summary: ℗ 1976 BMG Ariola
Feito no Brasil

Presence é o sétimo álbum de estúdio da banda de rock inglesa Led Zeppelin, lançado pela Swan Song Records em 31 de março de 1976. Foi escrito e gravado durante um período tumultuado na história da banda, quando o vocalista Robert Plant se recuperava de ferimentos graves sofridos em um recente acidente de carro. O álbum recebeu críticas mistas da crítica e é um dos mais vendidos do catálogo da banda. Mesmo assim, o guitarrista Jimmy Page descreve Presence como o álbum "mais importante" da banda, provando que eles continuariam apesar da turbulência. Este álbum foi concebido depois que Robert Plant sofreu ferimentos graves em um acidente de carro na ilha grega de Rodes, em 5 de agosto de 1975, o que forçou a banda a cancelar uma turnê mundial proposta que deveria começar em 23 de agosto de 1975. Neste ponto, o Led Zeppelin estava indiscutivelmente no auge de sua popularidade. Quando foi levado a um hospital grego após o acidente, Plant lembrou: Eu estava deitado ali com algumas dores tentando tirar as baratas da cama e o cara ao meu lado, um soldado bêbado, começou a cantar "The Ocean" de Houses of the Holy.

Tracks:
A1 Achilles Last Stand Written-By – Page*, Plant* 10:26
A2 For Your Life Written-By – Page*, Plant* 6:21
A3 Royal Orleans Written-By – Page*, Bonham*, Jones*, Plant* 2:58
B1 Nobody's Fault But Mine Written-By – Page*, Plant* 6:15
B2 Candy Store Rock Written-By – Page*, Plant* 4:10
B3 Hots On For Nowhere Written-By – Page*, Plant* 4:42
B4 Tea For One Written-By – Page*, Plant* 9:27

Summary: ℗ 1989 EMI odeon
Feito no Brasil

Depois de limpar sua lista de composições com a coleção de outtakes de 1987, Que País É Este, uma Legião Urbana significativamente renovada passou a transformar seu quarto álbum, As Quatro Estações de 1989, em seu monumento musical mais duradouro. Na verdade, embora claramente faltassem algumas das arestas de gênero comuns aos lançamentos anteriores (principalmente punk rock e apartes eletrônicos que muitas vezes diluíam tanto quanto diversificavam os conteúdos), As Quatro Estações alcançou uma coesão simplificada e sem precedentes que resistiu melhor ao teste do tempo. Ninguém poderia imaginar, ao ouvir as melhores faixas da carreira como "Pais e Filhos" e "Meninos e Meninas", que a Legião Urbana havia acabado de contornar uma perda potencialmente difícil com a saída do baixista de longa data Renato Rocha. Na verdade, o cantor/compositor Renato Russo nem pareceu notar, ao abrir suas formidáveis ​​comportas criativas para escrever uma notável variedade de singles inspirados - apontados como sempre com letras poéticas e desafiadoras, que, nesta ocasião, parecem profundamente afetadas por imagens religiosas, tanto matizadas quanto flagrantes. O resultado é um álbum sedutor e que parece totalmente sincero e irremediavelmente secreto, tudo ao mesmo tempo. Começando com um ritmo descontraído e confiante, a abertura direta "Há Tempos" instala o forte impulso do violão do álbum, mas é o já mencionado "Pais e Filhos" que atinge o panteão do rock brasileiro graças às letras comoventes de Russo, apresentando uma variedade de ruminações sobre famílias, quebradas e intactas, funcionais e fraturadas, explicadas com resignação e aceitação deliberadas, silenciosas e bonitas. Quando chega à sua mensagem central: “devemos amar-nos uns aos outros como se não houvesse amanhã... porque na verdade não existe”, As Quatro Estações está em pleno e imparável movimento, e a Legião Urbana procura uma nova forma de variedade. Cantada exclusivamente em inglês, "Feedback Song for a Dying Friend" oferece um hard rock viscoso antes de cair inesperadamente em uma dança do ventre árabe. A maravilhosamente sóbria e melancólica "Quando o Sol Bater na Janela do teu Quarto" é certamente uma das composições mais sedutoras de Russo, não importando que seus violões citem visivelmente Johnny Marr dos Smiths aqui e ali. Em comparação, a positivamente exuberante “Eu era um Lobisomem Juvenil” (I Was a Juvenile Wherewolf) flutua continuamente em um exotismo gótico e movido a órgão, coroado pela análise tipicamente abstrusa de Russo sobre a angústia adolescente. Embora igualmente aberto à especulação, "1965 (Duas Tribos)" (Duas Tribos) dá o pontapé inicial no segundo lado de uma forma decididamente rock e otimista antes que o favorito dos fãs "Monte Castelo" instale um clima muito mais contemplativo com sua letra tirada diretamente do Corinthians (o conhecido verso "Se eu falar nas línguas dos homens e dos anjos, etc."). E assim vai... para "Maurício", com um som estranhamente esperançoso e arrependido, para a provocativa e sexualmente ambígua "Meninos e Meninas", passando pela puramente pop "Sete Cidades", e finalmente encerrando com a carregada de eco "Se Fiquei Esperando Meu Amor Passar". Ao todo, são essas músicas que fazem de As Quatro Estações talvez o arquétipo do disco da Legião Urbana.

Tracks
1 Há Tempos Bonfá, Russo, Villa-Lobos 3:18
2 Pais E Filhos Bonfá, Russo, Villa-Lobos 5:08
3 Feedback Song for a Dying Friend Bonfá, Russo, Villa-Lobos 5:25
4 Quando O Sol Bater Na Janela Do Teu Quarto Bonfá, Russo, Villa-Lobos 3:13
5 Eu Era Um Lobisomem Juvenil Bonfá, Russo, Villa-Lobos 6:46
6 1965 (Duas Tribos) Bonfá, Russo, Villa-Lobos 3:45
7 Monte Castelo Russo 3:50
8 Maurício Bonfá, Russo, Villa-Lobos 3:18
9 Meninos E Meninas Bonfá, Russo, Villa-Lobos 3:23
10 Sete Cidades Bonfá, Russo, Villa-Lobos 3:25
11 Se Fiquei Esperando Meu Amor Passar Bonfá, Russo, Villa-Lobos 4:55

Summary: ℗ 1986 EMI odeon
Feito no Brasil

O segundo álbum da Legião Urbana – simplesmente intitulado Dois – pode muito bem ser o mais acessível e, em retrospecto, o mais descartável também. Embora as composições da banda em Dois mostrassem uma consistência maior do que o antecessor ocasionalmente hesitante do álbum, seu senso de direção criativa parecia, no mínimo, ainda mais disperso e inseguro do que antes. Vários números - o lírico "Daniel Na Cova Dos Leões", a confusa declaração pró-sindical "Fábrica" ​​e até mesmo o single de sucesso maravilhosamente agridoce e arrependido "Tempo Perdido" - eram muito culpados de usar as influências da new wave inglesa da banda de forma bastante flagrante em suas mangas, reorganizando e recombinando truques instantaneamente reconhecíveis do comércio (como os violões serpentinos dos Smiths; os sincopados, fragmentos elétricos ecoados e a percussão de som sintético dos Banshees) para atender às suas necessidades. O mesmo ocorre com "Acrilic on Canvas" e "Andrea Doria", cujo balanço suave e melodias em tom menor suavemente declaradas gritaram positivamente o Cure e, novamente, o U2, embora de forma mais discreta, embora outras faixas - notadamente as excelentes "Quase Sem Querer" e "Índios" - tenham se saído muito melhor em sintetizar essas influências em uma estrutura de rock mais reconhecidamente brasileira. Ainda assim, os ouvintes estariam se enganando se não admitissem a presença persistente daqueles truques dos Smiths. Destacando-se como um dedo machucado, "Metrópole" era um hard rock esquecível e de som desconfortável que provou que o Legião estava atualmente sem saber como incorporar suas raízes punk originais em sua posição comercial atual.(resolvido pelo triunfo inconsciente do Que País É Este no ano seguinte); "Central do Brasil" nada mais foi do que um interlúdio introdutório de "Tempo Perdido"; e a letra politicamente carregada de "Plantas Em Baixo Do Aquário" está inexplicavelmente camuflada sob uma camada de pretensão de art rock e entrega dadaísta - um raro exemplo do líder da banda Renato Russo evitando, em vez de abraçar, a controvérsia. Ele finalmente se recupera com "Música Urbana 2" (um blues de violão sobressalente que permite à sua voz elástica e musculosa sua única grande vitrine em Dois) e o clássico irrestrito "Eduardo e Monica", com sua forma distintamente brasileira de falar folk-blues fornecendo a tela definitiva para as habilidades de contar histórias de Russo (aqui descrevendo um romance entre uma mulher intelectual mais velha e um jovem garanhão infeliz) - foi um sucesso estrondoso! No final, tamanha era a afinidade do Legião com seus fãs, a devoção recíproca desses fãs às músicas cativantes e à entrega sincera da banda (ou talvez a ignorância das fontes originais que os inspiraram) e, para ser franco, a ausência de muitos desafiantes significativos em sua geração dos anos 80, que a maioria das desvantagens mencionadas acima pouco importaram no crescente sucesso do Legião.

Tracks
1 Daniel Na Cova Dos Leões Rocha, Russo 4:00
2 Quase Sem Querer Lobos, Rocha, Russo 4:40
3 Acrilic on Canvas Bonfá, Lobos, Rocha, Russo 4:40
4 Eduardo e Monica Russo 4:31
5 Central Do Brasil Russo 1:34
6 Tempo Perdido Russo 5:02
7 Metropole Russo 2:49
8 Plantas Em Baixo Do Aquário Bonfá, Lobos, Rocha, Russo 2:54
9 Música Urbana 2 Russo 2:40
10 Andrea Doria Bonfá, Lobos, Russo 4:53
11 Fábrica Russo 4:56
12 Índios Russo 4:17

Summary: ℗ 1984 EMI odeon
Feito no Brasil

Legião Urbana foi indiscutivelmente o grupo pop/rock de maior sucesso do Brasil na década de 1980, mas seu primeiro álbum homônimo é um assunto bastante hesitante e audivelmente contido. Como muitas bandas jovens, no início eles claramente não tinham confiança para afirmar suas opiniões sobre as de sua gravadora, e os compromissos resultantes, infelizmente, prejudicaram o que poderia ter sido um álbum muito mais potente. Com suas letras agressivas e poéticas, clássicos antigos como "Será", "Petróleo do Futuro" e "Baader-Meinhof Blues" já mostravam a coragem do jogo de palavras que faria do cantor e letrista Renato Russo o porta-voz preferido das massas de jovens brasileiros desencantados; mas seu impacto revolucionário também foi um tanto difundido pela produção bastante moderada do álbum. Colocar sintetizadores e baterias eletrônicas frios e ascéticos em músicas como "A Dança" e "Por Enquanto" foi, em retrospecto, simplesmente uma ideia estúpida do produtor, mas os membros da banda são os únicos culpados pelo ska branco e indiferente que é "O Reggae", inspirado no The Police. Por outro lado, a bela e comovente “Ainda é Cedo” é inquestionavelmente o primeiro triunfo absoluto da banda. Embora ele, e em menor grau o quase tão perfeito "Soldados", esteja 95% em dívida com o "Dia de Ano Novo" do U2 em busca de inspiração, isso não os impede de serem clássicos absolutos por si só. E com as suas observações perspicazes e bem-humoradas sobre a ruptura definitiva entre as gerações pré e pós-ditadura do Brasil, a "Geração Coca-Cola" ajudou a estabelecer a Legião Urbana como campeã desta última. Essa relação entre banda e público continuaria a crescer a cada lançamento da Legião Urbana que se seguiria.

Tracks
1 Será Bonfá, Russo, Villa-Lobos
2 A Dança 
3 Petróleo Do Futuro
4 Ainda É Cedo
5 Perdidos No Espaço
6 Geração Coca-Cola Russo
7 O Reggae Bonfá, Russo
8 Baader-Meinhof Blues Bonfá, Russo, Villa-Lobos
9 Soldados
10 Teorema
11 Por Enquanto

Summary: ℗ 1987 EMI odeon
Feito no Brasil

O terceiro álbum da Legião Urbana, Que País É Este, de 1987, era uma coleção de probabilidades e resíduos contendo material escrito uma década antes, que, por uma razão ou outra, nunca havia entrado em disco, apesar das frequentes apresentações ao vivo. Portanto, no que poderia muito bem ser visto como um disco de grandes sucessos de um universo paralelo da Legião Urbana, Que País É Este oferece um vislumbre revelador da versatilidade de composição da banda - e da esquizofrenia - ao longo de nove músicas. Em primeiro lugar, a faixa-título pouco característica (que faz amargamente a velha pergunta: “Que tipo de country é esse?”) parece não conseguir decidir se é folk ou heavy metal. Suas suplicantes linhas de violão desmentem a distorção furiosa do acorde poderoso da guitarra logo abaixo da superfície, bem como o desespero vicioso por trás de suas letras politicamente apocalípticas. Outra relíquia dos anos mais jovens e selvagens do cantor/compositor Renato Russo à frente da banda punk Aborto Eletrico (Electric Abortion) é a próxima oferta, "Conexão Amazônica" (Amazonian Connection), lançando um riff muito parecido com Sex Pistols, mas o subsequente e hilariante "Tédio Com um T bem Grande pra Você" (Tédio com um Great Big B for Ya) ainda consegue imediatamente superar suas credenciais de punk rock com puro intenções niilistas. Uma energia semelhante e ilimitada permeia os hinos punk que se seguiram, como "Quimica" (Chemistry, que atualiza "Wonderful World" de Sam Cooke - liricamente, se não musicalmente) e o menos distinto "Mais do Mesmo" (More of the Same), que é o mais descartável possível neste LP. (A maioria dos itens acima também exibe uma produção um tanto abaixo do padrão de qualidade, mas dada a natureza deste lançamento, isso é quase parte do seu apelo.) Seguindo em frente e para outras áreas do som: "Depois do Começo" é um número de ska bastante esquecível; "Eu Sei" (I Know, também conhecido como Sexo Verbal) é um exemplo radiante da emotiva marca new wave da Legião Urbana, cuja ausência nos álbuns anteriores é simplesmente criminosa; e "Angra dos Reis" (nomeado em homenagem a um dos mais belos paraísos tropicais do Brasil, ironicamente escolhido para abrigar algumas usinas nucleares!) é uma meditação frágil, conduzida por sintetizadores, que, em retrospecto, era mais atraente no papel do que nos ouvidos - apesar de uma performance vocal apaixonada de Russo. Finalmente, o épico incoerente "Faroeste Caboclo" é sem dúvida a maior e mais excessiva excursão ao blues falante de estilo folk já tentada na música popular brasileira. Uma odisséia virtual que se estende por nove minutos emocionantes de folk melódico e hard rock, seu enredo complicado é em parte uma aventura de fantasia, em parte um conto de moralidade sincero - tudo genial. Simplesmente um tesouro para os fãs da Legião Urbana, Que País É Este também limpou o armário criativo do grupo para permitir um novo impulso de composição que resultaria no que muitos consideram o melhor momento da banda, As Quatro Estações de 1989.

Tracks
1 Que País É Este Russo 2:58
2 Conexão Amazônica Lemos, Russo 4:38
3 Tédio (Com Um T Bem Grande Pra Você Russo 2:33
4 Depois Do Começo Russo 3:14
5 Química Russo 2:21
6 Eu Sei Russo 3:11
7 Faroeste Caboclo Russo 9:07
8 Angra Dos Reis Bonfá, Rocha, Russo 5:01
9 Mais Do Mesmo Bonfá, Rocha, Russo, Villa Lobos 3:19

Summary: ℗ 1983 CBS
Feito no Brasil

Leo Jaime é um defensor do estilo rockabilly brasileiro dos anos 80. Integrou o grupo pop/rock João Penca e Seus Miquinhos Amestrados, formado em 1981. O grupo acompanhou Eduardo Dusek em dois de seus LPs (Cantando No Banheiro, que teve "Rock da Cachorra" de Jaime, um dos maiores sucessos de 1983, e Brega-chique). Em 1983, Jaime deixou a banda e partiu para carreira solo. Escreveu e interpretou alguns dos maiores sucessos do rock brasileiro, como "As Sete Vampiras" (música tema do filme homônimo, em que Jaime aparece), "Sessão Da Tarde", "Gatinha Manhosa", "Conquistador Barato" e "Sônia". Gravou vários discos, entre eles: Phoda C (1984), Sessão Da Tarde (1985), Vida Difícil (1986), Direto Do Meu Coração Pro Seu (1988), Avenida Das Ilusões (1989), Sexo, Drops & Rock'n'Roll (1990) e Todo Amor (1995).

Tracks
1 Rock'n'roll (Rock and roll music)
(C.Berry)
2 Sem ilusões
(Joni Galvão - Léo Jaime)
3 Ora bolas
(Leandro - Léo Jaime)
4 Vota pra mim
(Leandro - Léo Jaime)
5 Vem ficar comigo
(Léo Jaime)
6 É, eu si
(Leandro - Léo Jaime)
7 Aids
(Leandro - Léo Jaime)
8 Sônia (Sunny)
(Leandro - B.Hebb)
9 Já foi papai
(Tavinho Paes - Léo Jaime)

Summary: ℗ 1985 CBS
Feito no Brasil

Sessão da Tarde é o segundo álbum de estúdio do cantor Leo Jaime, lançado em 1985 pelo selo Epic Records. Os maiores sucessos do álbum foram "A Fórmula do Amor", "Só", "O Pobre", "Amor Colegial" e "Solange", uma versão em português da canção "So Lonely", da banda The Police. A canção As Sete Vampiras fez parte da trilha sonora do filmes de mesmo nome dirigida pelo cineasta Ivan Cardoso, onde Jaime participou como ator. O álbum vendeu mais de 160 mil cópias em todo Brasil

Tracks
1 O pobre
(Léo Jaime - Herbert Vianna)
2 A fórmula do amor
(Leoni - Léo Jaime)
3 A vida não presta
(Selvagem Big Abreu - Leandro - Léo Jaime)
4 As sete vampiras
(Léo Jaime)
5 Só
(Léo Jaime)
6 O regime
(Selvagem Big Abreu - Léo Jaime)
7 Amor colegial
(Toni Bellotto - Marcelo Fromer)
8 Solange (So Lonely)
(Leoni - Sting)
9 O crime compensa
(Selvagem Big Abreu - Léo Jaime)
10 Abaixo a repressão
(Léo Jaime)

Mixed By: Roscoe Beck, Jean-Michel Reusser, Michel Robidoux

Summary: ℗ 1988 CBS
Feito no Brasil

Um salto incrivelmente sofisticado em texturas musicais modernas, I'm Your Man restabelece a maestria de Leonard Cohen. Contra um cenário de teclados e ritmos propulsivos, Cohen examina a paisagem global com um olhar preciso e inabalável: a abertura “First We Take Manhattan” é uma fantasia sinistra de sucesso comercial agrupada em imagens criptofascistas, enquanto a notável “Everybody Knows” é um catálogo cínico das minas terrestres que cobrem a superfície do amor na era da AIDS.

Tracks
1 First We Take Manhattan Cohen 6:01
2 Ain't No Cure for Love Cohen 4:50
3 Everybody Knows Cohen, Robinson 5:36
4 I'm Your Man Cohen 4:28
5 Take This Waltz Cohen, Garcia Lorca 5:59
6 Jazz Police Cohen, Fisher 3:53
7 I Can't Forget Cohen 4:31
8 Tower of Song Cohen 5:37

Summary: ℗ 1990 Polygram
Feito no Brasil

Nos dois anos e meio após o lançamento de Mainstream, Lloyd Cole assinou contrato com a Capitol Records nos EUA, separou-se do Commotions e mudou-se para Nova York. Para seu primeiro álbum solo, ele reuniu uma equipe composta por dois veteranos de bandas de Nova York - o baterista/co-produtor Fred Maher e o guitarrista Robert Quine, ambos os quais tocaram no Richard Hell's Voidoids e no grupo de apoio de Lou Reed - além do baixista Matthew Sweet e do tecladista do Commotions, Blair Cowan. Como resultado, Lloyd Cole apresenta um som mais forte e pesado do que os discos dos Commotions. Os vocais de Cole, entretanto, tornaram-se mais diretos e menos estilizados. As letras de Cole também são menos adornadas e ele se tornou um pouco mais leve. Muito de Lloyd Cole é musicalmente adstringente de uma forma que Cole não conseguiu anteriormente, mesmo que o álbum seja muito menos ambicioso do que seus dois primeiros discos.

Tracks
1 Don't Look Back Cole 3:43
2 What Do You Know About Love? Cole 4:09
3 No Blue Skies Cole 4:10
4 Loveless Cole, Cowan 4:10
5 Sweetheart Cole 4:31
6 To the Church Cole 2:26
7 Downtown Cole, Cowan 5:20
8 A Long Way Dwon Cole 5:22
9 Ice Cream Girl Cole, Cowan 3:06
10 Undressed Cole 3:05
11 I Hate to See You Baby Doing That Stuff Cole, Maher 4:01
12 Waterline Cole 2:59
13 Mercy Killing Cole 5:14

Summary: ℗ 1985 Polygram
Feito no Brasil

Os produtores Clive Langer e Alan Winstanley, como de costume, criaram uma superfície pop cintilante para o segundo álbum de Lloyd Cole & the Commotions, adoçando as faixas com contramelodias de cordas e metais e enfatizando os agudos da guitarra e dos teclados para um som atraente que ecoava a seriedade de bandas britânicas como Hollies e Herman's Hermits, por volta de 1966. Era, claro, como adoçar cianeto cápsulas, dadas as letras agradavelmente cantadas por Lloyd Cole, que detalhavam a desilusão filosófica, a discórdia romântica e, sim, pelo menos a tentativa de suicídio. No Reino Unido, Easy Pieces foi um hit Top Ten. Mas embora o álbum tenha sido lançado de maneira adequada nos Estados Unidos e os Commotions tenham feito uma extensa turnê, nenhum avanço americano se materializou.

Tracks
1 Rich L Lloyd Cole & the Commotions
2 Why I Love Country Music Lloyd Cole & the Commotions
3 Pretty Gone Lloyd Cole & the Commotions
4 Grace Lloyd Cole & the Commotions
5 Cut Me Down Cole
6 Brand New Friend Cole, Cowan
7 Lost Weekend Clark, Cole, Donegan
8 James Lloyd Cole & the Commotions
9 Minor Character Lloyd Cole & the Commotions
10 Perfect Blue Lloyd Cole & the Commotions

Summary: ℗ 1988 Polygram
Feito no Brasil

Se Lloyd Cole estava menos preocupado em deprimir seus ouvintes em seu terceiro álbum, ele também parecia determinado a agitá-los, adotando vários personagens em suas canções, desde o amante que perde o interesse logo após a cerimônia de casamento em "Jennifer She Said" (um hit do Top 40 do Reino Unido) até Sean Penn. Havia alguns narradores de músicas que pareciam próximos do próprio cantor e pareciam igualmente descontentes. Havia pouco para aliviar o vitríolo da música, que era estranhamente abafada, e muito antes do final Cole começou a soar como um excêntrico. A graça salvadora do álbum foi "Hey Rusty", uma música com um tema parecido com Springsteen e uma faixa musical parecida com o U2. Se houvesse mais músicas tão coerentes, específicas e comoventes, Mainstream poderia ter se classificado entre os dois primeiros álbuns de Cole.

Tracks
1 My Bag Cole 3:56
2 From the Hip Clark, Cole, Cowan, Donegan ... 3:57
3 29 Cole 5:28
4 Mainstream Cole 3:14
5 Jennifer She Said Cole 3:02
6 Mr. Malcontent Cole 4:49
7 Sean Penn Blues Cole 3:28
8 Big Snake Cole, Stanley 5:16
9 Hey Rusty Cole 4:30
10 These Days Cole 2:27

Summary: ℗ 1984 Polygram
Feito no Brasil

Uma das melhores estreias dos anos 80 e possivelmente o álbum definidor de toda a cena indie jangle do Reino Unido, que também incluía Prefab Sprout, Aztec Camera e dezenas de outras bandas, Lloyd Cole and the Commotions' Rattlesnakes é uma obra-prima do rock universitário com letras inteligentes e irônicas e melodias simpáticas baseadas no folk rock. A banda de Glasgow (Lloyd Cole na guitarra e voz, Neil Clark na guitarra solo, Blair Cowan nos teclados, Lawrence Donegan no baixo e Stephen Irvine na bateria) tem um nível de interação notável em um grupo que toca há menos de dois anos, e apesar de toda a atenção dada às letras hiper-alfabetizadas de Cole, os melhores momentos do álbum são coisas como os interlúdios furtivos entre os versos irônicos da música inspirada em Renata Adler. “Speedboat” e o glorioso solo estendido de Clark no final da melhor música do álbum, “Forest Fire”. Originalmente lançado nos EUA pela Geffen, mas reeditado em CD como parte da aquisição do Commotions pela Capitol em 1988 (com a capa original, que foi alterada para o lançamento da Geffen), Rattlesnakes consiste em dez músicas pop perfeitas, ou próximas disso, em apenas um fio de cabelo com menos de 36 minutos. Começando com o primeiro single do grupo no Reino Unido, o incrivelmente prolixo e fluente "Perfect Skin", o álbum é basicamente uma série de instantâneos verbais de amor que deu errado entre os supereducados e os subempregados. A voz grave e surpreendentemente comovente de Cole - para um estudante de filosofia da Universidade de Glasgow, pelo menos - oscila entre seriedade, compaixão e escárnio ("Você deve me contar todos os seus segredos quando é difícil o suficiente amar você sem saber nada?"), enquanto suas letras esboçam estudos incisivos de personagens cheios de frases inteligentes e engraçadas, nomes quase obsessivos e referências a romances e filmes suficientes para uma aula de cultura pop de um semestre. A faixa-título, por exemplo, é baseada em uma imagem principal do romance hollywoodiano de Joan Didion, Play It As It Lays, e seu refrão compara a heroína da música à personagem de Eva Marie Saint no filme On the Waterfront. Em mãos menos habilidosas, tudo isso seria insuportavelmente pretensioso, mas o senso de humor astuto e a inteligência auto-zombadora de Cole mantêm as coisas no lado certo do ambicioso. O CD alemão de Cascavéis (Polydor 823 683) será de interesse dos fãs norte-americanos do Commotions. O disco não contém apenas as versões originais de três músicas que Geffen remixou Ric Ocasek para o lançamento nos EUA (que também estão na reedição da Capitol), mas também apresenta uma versão exclusiva de "Forest Fire" com a coda do solo de guitarra estendida por quase 40 segundos e quatro lados B de singles britânicos do período: "Sweetness", o irônico retrato das superestrelas de Warhol "Andy's Babies", "The Sea and the Sand" e o fenomenal "You Will Never Be Não é bom." Em qualquer encarnação, Rattlesnakes é um clássico.

Tracks
1 Perfect Skin Cole 3:16
2 Speedboat Cole 4:37
3 Rattlesnakes Clark, Cole 3:28
4 Down on Mission Street Cole 3:49
5 Forest Fire Cole 4:39
6 Charlotte Street Cole 3:55
7 2cv Cole 2:52
8 Four Flights Up Cole, Donegan 2:37
9 Patience Cole, Cowan 3:40
10 Are You Ready to Be Heartbroken? Clark, Cole 3:06

Summary: ℗ 2017 Polysom
Feito no Brasil

Lô Borges é o álbum solo de estreia do cantor brasileiro de mesmo nome, lançado em 1972. Ficou mais conhecido como "Disco do Tênis", pois na capa está retratado o par de tênis que o artista usava na época. Enquanto gravava o Clube da Esquina ao lado de Milton Nascimento, Beto Guedes e outros amigos, Lô Borges, à época com vinte anos, foi contratado pela gravadora para fazer um novo disco, dessa vez sozinho e dentro de um prazo muito curto. A gravação foi marcada por um período intenso de criação e produção de músicas, que tiveram que ser compostas às pressas para cumprir os prazos. No entanto, o resultado frustrou as expectativas comerciais da gravadora, que por fim não investiu na sua divulgação.[1][2] Assim nasceu o Disco do Tênis lançado logo depois do Clube da Esquina. A capa do disco é a foto de um par de tênis que Lô ganhara de segunda mão de um primo. O fotógrafo Cafi, que registrou os calçados em frente à sua casa, levou o material à gravadora, que reagiu mal ao trabalho, pois já não tinham gostado muito da capa do Clube da Esquina, que trazia a foto de duas crianças que não eram os artistas. Segundo Lô, os tênis simbolizavam sua intenção de cair na estrada após o lançamento do disco, por não querer mais ver a música apenas como obrigação contratual com uma gravadora.[4] Após o lançamento do disco, o cantor passou um período viajando de ônibus pelo Brasil, vendendo seu disco pelas praças de diferentes cidades.

Tracks:
Você Fica Melhor Assim 2:05
Canção Postal 2:12
O Caçador 1:59
Homem Da Rua 1:58
Não Foi Nada 1:47
Pensa Você 1:26
Fio Da Navalha 2:20
Pra Onde Vai Você? 0:37
Calibre 1:27
Faça Seu Jogo 1:43
Não Se Apague Esta Noite 2:34
Aos Barões 2:33
Como O Machado 1:46
Eu Sou Como Você É 3:02
Toda Essa Água 2:50

Summary: ℗ 1983 RCA
Feito no Brasil

Um dos artistas que ajudou a criar o estilo conhecido como rock brasileiro surgiu nos anos 80. Lobão também possui uma discografia notável com sucessos expressivos gravados por Marina e Nelson Gonçalves, entre outros, e promoveu importantes discussões sobre o obscuro tema dos direitos artísticos no Brasil.
Após sua passagem pelo importante grupo Vímana, Lobão passou a trabalhar como baterista freelancer, participando do LP Ave Noturna de Fagner. Também trabalhou nessa fase com Marina, Luiz Melodia, Walter Franco, Gang 90 & As Absurdettes, Lulu Santos, Ritchie e Blitz. Em 1981 gravou seu primeiro LP solo, o independente Cena de Cinema. Várias de suas músicas se tornaram clássicos do nascente rock brasileiro, como "Cena de Cinema", "O Homem-Baile" e "Amor de Retrovisor". Um dos fundadores do Blitz (junto com Ricardo Barreto e Evandro Mesquita), o grupo seria um marco na consolidação do estilo rock brasileiro. No enorme sucesso dos primeiros tempos, Blitz gravou o primeiro disco (As Aventuras da Blitz) com Lobão, mas abandonou o grupo e seu sucesso, irritado com seu comercialismo. Foi então que finalmente convenceu a RCA a lançar seu Cena de Cinema, até então inédito. Organizador da banda Lobão e Seus Ronaldos, gravou o álbum new wave/techno pop Ronaldo Foi Pra Guerra (1984) com "Me Chama". Mas os demais integrantes, entre diatribes envolvendo a namorada drogada de um deles, baniram Lobão de sua própria banda naquele mesmo ano. No ano seguinte, atuou como ator no filme Areias Escaldantes (Francisco de Paula). Em março de 1986, depois de uma prisão por porte de maconha e cocaína, lançou o álbum O Rock Errou, onde a morte de Júlio Barroso (Gangue 90) inspirou uma libertação depressiva. A sambista Elza Soares participou do álbum, que foi pioneiro no cruzamento rock/samba e o disco vendeu 100 mil cópias. Em 1987, Lobão gravou "A Deusa do Amor" (com Bernardo Vilhena) com o antigo fenômeno do rádio Nelson Gonçalves (um viciado reabilitado) e foi preso duas vezes por porte de drogas, passando uma "temporada" no Ponto Zero enquanto gravava Vida Bandida, que vendeu 300 mil exemplares. Cuidado (1988) trouxe uma aproximação mais explícita com o samba via Ivo Meirelles. Em novembro, condenado à prisão, fugiu do país até a sentença ser anulada em 1989. Nesse período gravou Sob o Sol de Parador. Vivo, seu sétimo disco, com a participação da bateria da escola de samba Mangueira, foi gravado ao vivo durante as edições paulista e carioca do II Hollywood Rock, onde uma enquete revelou que Lobão foi o melhor desempenho na opinião do público. Em 1995, lançou Nostalgia da Modernidade e mais tarde voltou a ser o epicentro polêmico de uma discussão entre gravadoras e artistas, ao distribuir seu álbum nas bancas. Em 1998 lançou Noite, que usava o techno pop como crítica, e no ano 2000 promoveu mais polêmicas defendendo as rádios comunitárias e denunciando o sistema de comunicação no Brasil como sendo uma rixa de políticos.

Tracks:
A1 Cena De Cinema Bernardo Vilhena, Lobão, Marina Lima 3:05
A2 Amor De Retrovisor Lobão 2:27
A3 Love Prás Dez Bernardo Vilhena, Ricardo Barreto 2:21
A4 O Homem Baile Antonio Pedro*, Bernardo Vilhena, Lobão 2:44
A5 Doce Da Vida Bernardo Vilhena, Lobão 3:03
B1 Stopim Bernardo Vilhena, Lobão 3:39
B2 Squizotérica Bernardo Vilhena, Lobão 3:09
B3 Sem Chance Bernardo Vilhena, Lobão 3:07
B4 Scaramuça Bernardo Vilhena, Lobão 0:46
B5 Robô, Roboa Bernardo Vilhena, Lobão 3:11

Summary: ℗ 1988 RCA
Feito no Brasil

Cuidado! é o quarto álbum solo do músico brasileiro Lobão sendo lançado em 1988 pela gravadora RCA Victor (atual RCA Records). Neste álbum, o roqueiro contou com a participação da percussão da Estação Primeira de Mangueira.

Tracks:
1. "Cuidado!" Lobão/Bernardo Vilhena/Ivo Meirelles 3:23
2. "O Eleito" Lobão/Bernardo Vilhena 3:38
3. "É Tudo Pose" Lobão/Bernardo Vilhena/Ivo Meirelles 3:08
4. "Tara Tara (Amor Fatal)" Lobão/Bernardo Vilhena 2:31
5. "Esfinge de Estilhaços" Lobão 3:43
6. "Por Tudo que For" Lobão/Bernardo Vilhena 4:04
7. "Síndrome de Brega" Lobão/Daniele Daumerie/Bernardo Vilhena/Ivo Meirelles 4:01
8. "No Money, No Change, No Chance (Balada do 3º Mundo)" Lobão/Bernardo Vilhena 3:17
9. "Pobre Deus" Lobão 3:04

Summary: ℗ 1991 BMG Ariola
Feito no Brasil

Esse album possui alguns bons temas, como a própria faixa-título que tem a presença de Nelson Gonçalves que gravou os versos da ‘intro’ e a letra apresenta uma visão bem curiosa de Lobão a respeito do inferno. Musicalmente, ela lembra alguma coisa do Skylab, o que não é nenhuma crítica a Lobão, que fique claro. Outra boa pedida é “Bangu 1 x Polícia 0”, com uma guitarra pesada e uma ótima bateria. A faixa é uma parceria de Lobão com o também mangueirense Ivo Meirelles, que assina outras faixas também. Enquanto “Matou a Família e Foi ao Cinema“, que até começa com um toque de cuíca na abertura feito por Aílton “Cuíca” e, depois, aparece a melodia que mantém um clima soturno que justifica o nome da música. Em seguida, Lobão nos brinda com a linda “Perversa Distração“, uma balada acústica que teve os arranjos de cordas feito por Jacques Morelenbaum. A faixa cinco é o rock “Presidente Mauricinho“, canção direcionada ao então Presidente da República Fernando Collor de Mello, mas que, cá entre nós, o teor da letra caberia também ao nosso atual que, inclusive, Lobão o apoiou na campanha, mas arrependeu-se depois por conta das discordâncias feita pela trupe bolsonarista. E o lado A termina com a bela “Que Língua Falo Eu“, feita em parceria com Rodrigo Santos, que a regravou em seu álbum solo, “Um Pouco Mais de Calma” (2007). Destaque pela presença da castanhola tocada por Sonia Castrioto.
O lado B do disco vem com “Jesus Não Tem Drogas no País dos Caretas“, um funk-rock cujo título faz alusão ao nome da faixa-título do quarto álbum dos Titãs – “Jesus Não Tem Dentes no País dos Banguelas” (1987), contudo, a letra apresenta um sarcasmo em relação a “O Papa É Pop“, dos Engenheiros do Hawaii e, ainda nela, Lobão menciona três clássicos do rock: “Hit The Road Jack“, “(I Can’t Get No) Satisfaction“e “Stairway To Heaven“. Posteriormente, vem “Bem Mal”, outra parceria feita com Rodrigo Santos, que é um pop agradável de escutar e que tem o bom backing vocal da cantora Vera Negri. Já “Sem Você Não Dá” é uma bela balada e que foi um dos sucessos da obra. As duas últimas faixas são “Lua Cheia” e “Viver Ou Não“, um pop e uma balada que preenchem bem o disco, encerrando o trabalho de forma bem digna.

Tracks
A1 O Inferno É Fogo 3:40
A2 Bangu 1 X Polícia 0 3:19
A3 Matou A Família E Foi Ao Cinema 2:52
A4 Perversa Distração 3:27
A5 Presidente Mauricinho 2:58
A6 Que Lingua Falo Eu 3:16
B1 Jesus Não Tem Drogas No País Dos Caretas 3:14
B2 Bem Mal 3:27
B3 Sem Você Não Dá 3:34
B4 Lua Cheia 3:36
B5 Viver Ou Não 3:55

Summary: ℗ 1986 RCA
Feito no Brasil

O Rock Errou é o segundo álbum de estúdio solo do cantor e compositor brasileiro Lobão, lançado em 1986 pela RCA Victor. "Revanche" foi a canção que mais fez sucesso. Na Faixa "A voz da razão", tem a participação de Elza Soares. No ano do lançamento Lobão foi preso por porte de drogas.

Tracks:
1. "Abertura (Instrumental)" João Baptista/Jurim Moreira/Lobão/Torcuato Mariano 1:23
2. "O Rock Errou" Lobão/Bernardo Vilhena 3:42
3. "A Voz da Razão" Lobão/Bernardo Vilhena 2:39
4. "Baby Lonest" Lobão/Cazuza/Ledusha 3:46
5. "Spray Jet" Lobão/Bernardo Vilhena 3:11
6. "Moonlight Paránoia (Seasons of Wither)" Joe Perry/Steven Tyler/Versão: Lobão/Bernardo Vilhena/Júlio Barroso 4:35
7. "Revanche" Lobão/Bernardo Vilhena 4:57
8. "Noite e Dia" Lobão/Júlio Barroso 3:14
9. "Canos Silenciosos" Lobão 3:22
10. "Glória (Junkie Bacana)" Lobão/Cazuza 2:48
11. "Click" Lobão/Bernardo Vilhena 3:20

Summary: ℗ 1984 RCA
Feito no Brasil

Ronaldo Foi pra Guerra é um álbum da banda brasileira Lobão e os Ronaldos, lançado em julho de 1984[2] pela RCA Victor.
A canção "Me Chama" se tornou uma das músicas mais famosas do Brasil, ficando na 47ª posição das maiores músicas brasileiras, segundo a Rolling Stone,[3] sendo regravada por diversos artistas, entre eles João Gilberto, Marina Lima, Nélson Gonçalves, Simone Bittencourt e Biquini Cavadão. A versão deste primeiro, no entanto, foi criticada por Lobão pela supressão do verso "Nem sempre se vê mágica no absurdo".[4] Outras músicas de sucesso foram a canção "Corações Psicodélicos","Rio de Delírio" e "Os Tipos Que Eu Não Fui".
Lobão questionou a vendagem do disco informado pela gravadora, suspeitando que ele tenha vendido mais do que o número divulgado.
Esse é o primeiro e único álbum de estúdio que Lobão lançou com uma banda.

Tracks:
1. "Corações Psicodélicos" 3:43
2. "Não Tô Entendendo" 2:34
3. "Tô à Toa Tokio" 3:13
4. "Abalado" 3:21
5. "Os Tipos Que Eu Não Fui" 3:08
6. "Bambina" 3:25
7. "Me Chama" 3:46
8. "Rio de Delírio" 4:13
9. "Inteligenzia" 3:36
10. "Teoria da Relatividade" 2:17
11. "Dr. Raymundo" 2:28
12. "Ronaldo Foi pra Guerra" 2:33

Summary: ℗ 1989 RCA
Feito no Brasil

Depois de apostar na fusão samba-rock que norteou o disco anterior, Cuidado!, Lobão fez de Sob o Sol de Parador um álbum primordialmente de rock, ainda que explorasse mais estilos musicais. Há canções no estilo hard rock, como "Panamericana (Sob o Sol de Parador)", "E o Vento Te Levou" e "Sexy Sua", esta última uma composição do ex-mutante Arnaldo Baptista. O disco ainda inclui baladas, caso do hit "Essa Noite Não", de "Uma Dose a Mais" e de "Toda Nossa Vontade", e um country rock, a faixa "Lipstick Overdose" (que a RCA desejava lançar como single, ideia vetada pelo cantor).
No álbum foi incluído também o samba "Azul e Amarelo". Foi a última música que Lobão compôs juntamente com o cantor Cazuza, que morreria em 7 de julho de 1990. O ex-vocalista do Barão Vermelho também gravou a composição em seu LP Burguesia, lançado onze dias depois de Sob o Sol de Parador, em 21 de agosto de 1989. O verso final de sua letra ("eu não vou, eu não quero") é atribuído a Cartola (falecido em 1980), razão pela qual o sambista também é co-autor da canção, que recebeu seu nome após Cazuza descobrir que azul e amarelo eram suas cores no candomblé.

Tracks:
A1 Panamericana (Sob O Sol De Parador) Arnaldo Brandão, Lobão, Tavinho Paes 3:11
A2 Quem Quer Votar (O Sofisma) Arnaldo Brandão, Lobão, Tavinho Paes 2:16
A3 Essa Noite, Não (Marcha À Ré Em Paquetá) Bernardo Vilhena, Daniele Daumerie, Ivo Meirelles, Lobão 2:44
A4 Um Bobo Pra Cristo Bernardo Vilhena, Lobão 4:37
A5 E O Vento Te Levou Lobão, Tavinho Paes 3:14
B1 Azul E Amarelo Cartola, Cazuza, Lobão 2:54
B2 Uma Dose A Mais Bernardo Vilhena, Lobão 3:30
B3 Lipstick Overdose Ivo Meirelles, Lobão, Tavinho Paes 3:06
B4 Sexy Sua Arnaldo Baptista 3:02
B5 Toda Nossa Vontade Lobão 3:12

Summary: ℗ 1987 RCA
Feito no Brasil

O álbum reflete, de fato, um dos momentos de grande inspiração da carreira de Lobão, onde rebeldia e rock and roll marcaram para sempre a música nacional.
Vida Bandida é o terceiro álbum solo do cantor e compositor brasileiro Lobão sendo lançado em 1987. O disco foi gravado durante a estada de Lobão na cadeia e possui grandes sucessos como "Blá Blá Blá... Eu Te Amo (Rádio Blá)" (originalmente lançada por Hanói-Hanói), "Vida Bandida" e a mais conhecida do disco, "Vida Louca Vida". A canção "Blá Blá Blá... Eu Te Amo (Rádio Blá)" fez parte da trilha sonora da novela Brega & Chique, exibida pela Rede Globo.

Tracks:
1. "Vida Bandida" Lobão/Bernardo Vilhena 3:03
2. "Da Natureza dos Lobos" Lobão/Bernardo Vilhena 4:01
3. "Nem Bem, Nem Mal" Lobão/Bernardo Vilhena 3:46
4. "Soldier Lips" Glória Woerdenbag/Guto Barros 2:47
5. "Girassóis da Noite" Lobão 4:15
6. "Esse Mundo que Eu Vivo" Lobão/Bernardo Vilhena 3:32
7. "Vida Louca Vida" Lobão/Bernardo Vilhena 3:29
8. "Tudo Veludo" Lobão/Bernardo Vilhena 3:02
9. "Blá Blá Blá... Eu Te Amo (Rádio Blá)" Lobão/Arnaldo Brandão/Tavinho Paes 4:50
10. "Chorando no Campo" Lobão/Bernardo Vilhena 2:57

Summary: ℗ 1973 RCA
Made in Italy

Transformer e "Walk on the Wild Side" foram ambos grandes sucessos em 1972, para surpresa de Lou Reed e da indústria musical, e com Reed de repente uma mercadoria quente, ele usou sua influência recém-conquistada para fazer o álbum mais ambicioso de sua carreira, Berlim. Berlin era o equivalente musical de um garoto viciado em drogas solto em uma loja de doces; as canções do álbum, que formam um enredo vago sobre um romance condenado entre dois boêmios movidos a produtos químicos, foram concretizadas com uma produção enorme e estrondosa (Bob Ezrin em sua forma mais grandiosa) e arranjos sobrecarregados com guitarras, teclados, trompas, cordas e qualquer outra pia de cozinha que fosse útil (a banda de sessão incluía Jack Bruce, Steve Winwood, Aynsley Dunbar e Tony Levin). E embora Reed tenha sido frequentemente acusado de focar no lado negro da vida, ele e Ezrin abordaram Berlim como sua oportunidade de fazer o álbum mais deprimente de todos os tempos, e eles dificilmente perderam um truque. Tudo isso parecia um pouco demais para um artista que fez um uso tão excelente da formação de duas guitarras/baixo/bateria do Velvet Underground, especialmente porque Reed nem toca guitarra no álbum; o tamanho de Berlim acaba dominando Reed e seu material. Mas se Berlim é em grande parte um fracasso de ambição, isso a diferencia da grande maioria das obras menores de Reed; Os vocais de Lou são precisos e apaixonados, e embora algumas músicas sejam pouco mais que esboços, as melhores - "How Do You Think It Feels", "Oh, Jim", "The Kids" e "Sad Song" - são poderosas e amargas. É difícil não ficar impressionado com Berlim, dado o escopo do projeto, mas embora receba um A pelo esforço, a execução real merece mais um B-.

Tracks:
A1 Berlin 3:23
A2 Lady Day 3:40
A3 Men Of Good Fortune 4:37
A4 Caroline Says I 3:57
A5 How Do You Think It Feels 3:42
A6 Oh, Jim 5:13
B1 Caroline Says II 4:10
B2 The Kids 7:55
B3 The Bed 5:51
B4 Sad Song 6:55

Summary: ℗ 1982 RCA
Feito no Brasil

Em 1982, 12 anos depois de deixar o Velvet Underground, Lou Reed lançou The Blue Mask, o primeiro álbum onde ele fez jus ao potencial que exibiu na mais inovadora de todas as bandas de rock americanas. The Blue Mask foi o primeiro álbum de Reed depois que ele superou um vício de longa data em álcool e drogas, e revela um foco renovado e uma dedicação ao artesanato - pela primeira vez em anos, Reed escreveu um álbum inteiro com músicas comoventes e atraentes, e as tocou com grande habilidade e comprometimento emocional genuíno. Reed também estava tocando guitarra novamente, e com o gênio ousado que ele convocou em White Light/White Heat. Tão importante quanto, ele trouxe Robert Quine como seu segundo guitarrista, dando a Reed um contraponto digno que ao mesmo tempo trouxe grandes ideias musicais para a mesa e encorajou o líder da banda a aproveitar ao máximo seu próprio trabalho de guitarra. (Reed também obteve excelente apoio de sua seção rítmica, do extraordinário baixista Fernando Saunders e do baterista Doane Perry). Enquanto Reed tiravasua banda de volta a um formato musculoso de duas guitarras / baixo / bateria, ele também abandonou a personalidade falsamente decadente de "Rock N Roll Animal" que dominou seu trabalho solo e escreveu de forma clara e destemida sobre sua vida, seus pensamentos e seus medos, tocando as músicas com autoridade suprema, quer ele estivesse tocando com sutileza silenciosa (como a adorável "My House" ou a enervante "The Gun") ou com fúria acirrada (a paranóica "Waves of Fear" e o corte de título emocionalmente devastador). Inteligente, apaixonado, letrado, maduro e totalmente sincero, The Blue Mask era tudo o que os fãs de Reed procuravam em seu trabalho há anos, e é uma prova vívida de que, para alguns roqueiros, a vida pode começar além dos 35 anos.

Tracks
1 My House Reed 5:21
2 Women Reed 4:55
3 Underneath the Bottle Reed 2:27
4 The Gun Reed 3:37
5 The Blue Mask Reed 5:00
6 Average Guy Reed 3:10
7 Heroine Reed 3:00
8 Waves of Fear Reed 4:10
9 The Day John Kennedy Died Reed 4:05
10 Heavenly Arms Reed 4:45

Mixed By: Godfrey Diamond, Lou Reed, Michael Wendroff

Summary: ℗ 1975 RCA
Feito no Brasil

Do album Transformer de 1972 em diante, Lou Reed passou a maior parte dos anos 70 jogando a carta da decadência drogada com todo o valor, com resultados cada vez mais mistos. Mas em Coney Island Baby, as composições de Reed começaram a se mover para um território mais caloroso e compassivo, e o resultado foi seu álbum mais acessível desde Loaded. Na maioria das faixas, Reed reduziu sua banda à guitarra, baixo e bateria, e os resultados foram mais enxutos e muito mais confortáveis ​​do que a superprodução de Sally Can't Dance ou Berlin. 'Crazy Feeling', 'She's My Best Friend' e 'Coney Island Baby' encontraram Reed realmente escrevendo canções de amor reconhecíveis, para variar, e enquanto Reed perseguia seu interesse tradicional no lado de baixo da vida do hipster em 'Charlie's Girl' e 'Nobody's Business', ele o fez com um ar alegre e livre que foi realmente um alívio após o tom letárgico de Sally Can't Dance. "Kicks" usou uma colagem de fita de áudio para gerar tensão atmosférica que deu à sua história sobre drogas e morte uma qualidade arrepiante que foi muito mais eficaz do que sua abordagem blasé usual sobre o assunto, e "Coney Island Baby" foi o oposto, uma música sobre amor e arrependimento que foi tão sincera e comovente quanto qualquer coisa que o homem já gravou. Coney Island Baby parece casual na superfície, mas emocionalmente é tão convincente quanto qualquer coisa que Reed lançou na década de 1970, e provou que poderia escrever sobre pessoas reais com emoções reconhecíveis, assim como qualquer pessoa na música rock - algo que você talvez não tenha adivinhado na maioria dos álbuns solo que o precederam.

Tracks
1 Crazy Feeling Reed 2:58
2 Charley's Girl Reed 2:36
3 She's My Best Friend Reed 6:00
4 Kicks Reed 6:06
5 A Gift Reed 3:47
6 Ooohhh Baby Reed 3:45
7 Nobody's Business Reed 3:41
8 Coney Island Baby Reed 6:36

Summary: ℗ 1983 RCA
Feito no Brasil

Se Legendary Hearts parecia uma decepção em 1983, era em grande parte porque no ano anterior Lou Reed havia lançado The Blue Mask, um dos melhores álbuns de sua carreira, e Legendary Hearts simplesmente não era tão bom. Mas tire-o da prateleira hoje, ouça-o e Legendary Hearts facilmente fecha quase tudo que Reed lançou na década de 1970; se for uma obra-prima menos óbvia do que The Blue Mask, deixa claro que Reed estava mais uma vez no comando de seus pontos fortes e aproveitando-os ao máximo no estúdio. O guitarrista Robert Quine e o baixista Fernando Saunders estavam de volta do The Blue Mask e reafirmaram seu status como os pilares da banda mais forte da carreira solo de Reed, e o baterista Fred Maher tocou mais forte (e com menos enfeites) do que Doane Perry. A estimulante conversa cruzada entre as guitarras de Reed e Quine não perdeu nada no ano que separou os dois álbuns, e se Reed não parecia estar almejando tão alto como compositor desta vez, a maioria das faixas eram tão inteligentes e profundas quanto a formação do The Blue Mask; se houvesse alguns momentos de alívio cômico, como "Don't Talk to Me About Work" e "Pow Wow", ninguém poderia argumentar que Reed não rendeu algumas risadas depois de músicas como "Make Up Mind", "The Last Shot" e "Betrayed". Em Legendary Hearts, Reed estava escrevendo ótimas músicas, tocando-as com entusiasmo e imaginação, e cantando-as com todo o seu coração e alma, e se não fosse seu melhor álbum, era mais do que suficiente para confirmar que o brilhantismo de The Blue Mask não foi por acaso, e que Reed havia se restabelecido como um dos artistas mais importantes do rock americano.

Tracks
1 Legendary Hearts Reed 3:29
2 Don't Talk to Me About Work Reed 2:11
3 Make Up Mind Reed 2:55
4 Martial Law Reed 3:56
5 The Last Shot Reed 3:23
6 Turn Out the Light Reed 2:49
7 Pow Wow Reed 2:32
8 Betrayed Reed 3:13
9 Bottoming Out Reed 3:43
10 Home of the Brave Reed 6:55
11 Rooftop Garden Reed 3:04

Summary: ℗ 1986 RCA
Feito no Brasil

Entre 1982 e 1984, Lou Reed montou a melhor banda de sua carreira solo, gravou três álbuns excelentes e deixou para trás um excelente duplo ao vivo após duas turnês mundiais recebidas com entusiasmo - um histórico nada ruim para um cara que foi tão inconsistente ao longo da década de 1970. Alguém poderia muito bem ter argumentado que Lou estava prestes a sofrer uma decepção, e Mistrial certamente preencheu essa conta. Em Mistrial, Reed optou por lidar com as partes da guitarra solo e base como fez em New Sensations, mas com alguns tons menos de precisão, e embora Fernando Saunders mais uma vez tenha trabalhado como baixista, como co-produtor ele não preencheu o som de Reed especialmente bem. A decisão de usar uma bateria eletrônica na maioria dessas faixas dá ao álbum uma sensação rígida e uma textura que captura o que havia de menos afortunado no rock dos anos 80, mas o mais importante é que Reed não tinha um álbum com músicas de primeira linha disponíveis. "No Money Down" e "Tell It to Your Heart" são esquetes inteligentes e engraçados sobre a difícil arte do romance, enquanto "Mama's Got a Lover" é um estudo de personagem inesperadamente doce e "The Original Wrapper" é uma tentativa de jogo de hip-hop de um cara branco de 44 anos. Mas “Outside” e “Spit It Out” são apenas preenchimento, e “Video Violence” é um ataque bastante estranho à mídia por parte de um cara que tentou trazer a mentalidade de William S. Burroughs e Hubert Selby Jr. Mistrial não foi um dos piores álbuns de Reed (é difícil imaginar Sally Can't Dance sendo privado dessa honra), mas certamente reduziu sua média de acertos, já que ele parecia estar em uma maré de sorte - como se seus fãs de longa data precisassem ser lembrados de que ele era falível.

Tracks:
A1 Mistrial 3:22
A2 No Money Down 3:10
A3 Outside 3:05
A4 Don't Hurt A Woman 4:01
A5 Video Violence 5:36
B1 Spit It Out 3:34
B2 The Original Wrapper 3:38
B3 Mama's Got A Lover 4:11
B4 I Remember You 2:55
B5 Tell It To Your Heart 5:11

Mixed By: Fred Maher, Jeffrey Lesser, Lou Reed, Mike Rathke

Summary: ℗ 1989 BMG Ariola
Feito no Brasil

A cidade de Nova York teve um papel tão proeminente na música de Lou Reed por tanto tempo que é surpreendente que ele tenha demorado até 1989 para fazer um álbum chamado simplesmente New York, um conjunto de 14 cenas e esquetes que representa o conjunto de músicas mais fortes e mais bem realizadas da carreira solo de Reed. Enquanto o retorno de Reed em 1982, The Blue Mask, às vezes o encontrava buscando efeitos, os detalhes acumulados e as caricaturas hábeis de Nova York acertavam alvo após alvo por 57 minutos, e o faziam com passos fáceis e facilidade lírica impressionante. Nova York também encontrou Reed escrevendo sobre o mundo mais amplo, em vez de preocupações pessoais para uma mudança, e no belo e decadente coração da cidade de Nova York, ele encontrou muito o que falar - o impacto devastador da AIDS em "Halloween Parade", o círculo vicioso de abuso infantil em "Endless Cycle", a situação dos sem-teto em "Xmas in February" - e até mesmo nas músicas em que ele claramente monta um palanque, Reed o faz com uma inteligência e um humor espertinho que o faz parecer bastante teimoso. do que enfadonho - como um nova-iorquino. E quando Reed olha para sua própria vida, é com humor e percepção; "Beginning of a Great Adventure" é uma meditação hilária sobre as possibilidades da paternidade, e "Dime Store Mystery" é uma comovente elegia a seu ex-patrono Andy Warhol. Reed também revelou um novo banda neste set, e embora o guitarrista Mike Rathke não tenha desafiado Reed da maneira que Robert Quine fez, Reed não estava precisando de muito estímulo para tocar no auge de sua forma, e Ron Wasserman provou que o excelente gosto de Reed para baixistas não o havia falhado. Produzido com inteligência sutil e um mínimo de flash, New York é uma obra-prima do rock & roll adulto e letrado, e o melhor álbum da carreira solo de Reed.

Tracks
1 Romeo Had Juliette Reed 3:09
2 Halloween Parade Reed 3:33
3 Dirty Blvd. Reed 3:29
4 Endless Cycle Reed 4:01
5 There Is No Time Reed 3:45
6 Last Great American Whale Reed 3:42
7 Beginning of a Great Adventure Rathke, Reed 4:57
8 Busload of Faith Reed 4:50
9 Sick of You Reed 3:25
10 Hold On Reed 3:24
11 Good Evening Mr. Waldheim Reed 4:35
12 Xmas in February Reed 2:55
13 Strawman Reed 5:54
14 Dime Store Mystery Reed 5:01

Mixed By: Godfrey Diamond, Lou Reed, Michael Wendroff

Summary: ℗ 1980 RCA
Feito no Brasil

O Melhor de Lou Reed é uma edição do album Walk on the Wild Side: The Best of Lou Reed no Brasil. É uma compilação padrão de "sucessos" da gravadora que avaliou a permanência de cinco anos e oito álbuns de Reed na RCA de 1972 a 1976. Suas 11 músicas incluíam duas de Lou Reed, três de Transformer (entre eles, é claro, a faixa-título deste álbum, o único hit de Reed nas paradas), uma de Berlim, duas de Rock N Roll Animal (uma das quais é "Sweet Jane" menos a fanfarra introdutória) e as faixas-título de Sally Can't Dance e Coney Island Baby, além do lado B anteriormente não-LP "Nowhere at All". Foi uma seleção à prova de balas, tão sem imaginação quanto confiável, e estranhamente foi por isso que funcionou tão bem. A carreira solo de Reed viu algumas tangentes extremas, e este álbum os pegou, desde "Wild Child" ao estilo Dylan até o glam pop do material Transformer, e dos rearranjos de heavy metal de músicas antigas do Velvet Underground em Rock N Roll Animal até as tentativas de rock direto de cantor/compositor adulto em músicas como "Coney Island Baby". Os álbuns regulares eram desiguais, mas aqui Reed aparece como um experimentador talentoso em uma variedade de estilos que realmente tinha algo a dizer e o disse, às vezes com humor, às vezes freneticamente, mas sempre com convicção. Reed tem sido um artista prolífico, e este álbum captura apenas uma fração de seu catálogo, mas na verdade ele é, via de regra, menos eclético do que esta coleção o faz parecer, então o resultado é uma excelente introdução.

Tracks
1 Walk on the Wild Side Reed 4:09
2 Kill Your Sons Reed 3:25
3 I Can't Stand It Reed 2;32
4 How Do You Think It Feels Reed 3:07
5 White light/White Heat Reed 5;03
6 Vicious Reed 2:55
7 The Kids Reed 6:27
8 Oooh Baby Reed 3;42
9 Goodnight Ladies Reed 4:18
10 I'm Waiting For The Man Reed 3:37

Summary: ℗ 1972 RCA
Made in USA

David Bowie nunca teve vergonha de reconhecer suas influências, e como a decadência boho e a ambiguidade sexual da música do Velvet Underground tiveram um grande impacto no trabalho de Bowie, era justo que, enquanto a mania de Ziggy Stardust estava atingindo seu auge, Bowie oferecesse a Lou Reed a ajuda muito necessária em sua carreira, que ficou parada em ponto morto depois que seu primeiro álbum solo apareceu e desapareceu. Musicalmente, o trabalho de Reed não tinha muito em comum com a bombástica sonoridade da cena glam, mas pelo menos era um lugar onde suas excentricidades poderiam encontrar um lar confortável, e em Transformer Bowie e seu braço direito, Mick Ronson, criaram um novo som para Reed que era mais adequado (e mais comercialmente astuto) do que o tom ambivalente de seu primeiro álbum solo. Ronson adiciona um pouco de guitarra em "Vicious" e "Hangin' Round" que é muito mais chamativo do que Reed produziu com os Velvets, mas ainda honra os pontos fortes de Lou no hard rock guiado pela guitarra, enquanto os arranjos imaginativos que Ronson preparou para "Perfect Day", "Walk on the Wild Side”, e "Goodnight Ladies" misturam o polimento pop com o pensamento musical tão distinto quanto os conceitos líricos de Reed. E embora Reed ocasionalmente exagere ao escrever coisas, ele imaginou que as crianças glamourosas queriam ("Make Up" e "I'm So Free" sendo os exemplos mais óbvios), "Perfect Day", "Walk on the Wild Side" e "New York Telephone Conversation" provaram que ele ainda conseguia escrever sobre o semimundo com percepção e respeito. O som e o estilo de Transformer definiriam de muitas maneiras a carreira de Reed na década de 1970 e, embora o tenha levado a um estilo que provou ser um beco sem saída, você não pode negar que Bowie e Ronson deram ao seu herói um novo sopro de vida - e um álbum sólido ainda por cima.

Tracks:
A1 Vicious 2:55
A2 Andy's Chest 3:17
A3 Perfect Day 3:43
A4 Hangin' Round 3:39
A5 Walk On The Wild Side 4:12
B1 Make Up 2:58
B2 Satellite Of Love 3:40
B3 Wagon Wheel 3:19
B4 New York Telephone Conversation 1:31
B5 I'm So Free 3:07
B6 Goodnight Ladies Arranged By, Performer [Played By] – Herbie Flowers 4:19

Summary: ℗ 1990 BMG Ariola
Feito no Brasil

“SONGS FOR DRELLA” pode ser uma das peças musicais mais emocionantes que já encontrei. Este disco não é apenas uma homenagem a Andy Warhol, mas também pode ser o melhor trabalho de Lou Reed e John Cale. Essas músicas parecem tão pessoais que parece que estamos invadindo as almas de cada um desses brilhantes compositores. Ao contar a história de Andy, eles revelam muito de si mesmos. Reed e Cale se revezam cobrindo todos os aspectos concebíveis do mundo de Andy Warhol. Da arte, do trabalho, do estilo, da infância, do medo e da inveja. Nenhuma pedra é deixada sobre pedra. Um dos momentos mais assustadores deste disco é "The Dream" de John Cale. Uma verdadeira obra-prima de terrores interiores e fraqueza humana. Lou Reed brilha em “WORK”, “NOBODY BUT ME” e mais notavelmente em “HELLO IT'S ME”. Aqui podemos ouvir a tristeza de Lou e a saudade de um amigo perdido. “SONGS FOR DRELLA” é comovente, iluminado e incontestável como a música pode ser. Quer você seja fã de Lou Reed, John Cale, The Velvet Underground ou Andy Warhol; você encontrará beleza e verdade na música encontrada neste barril de pólvora emocional.

Tracks
1 Smalltown Cale, Reed 2:03
2 Open House Cale, Reed 4:16
3 Style It Takes Cale, Reed 2:54
4 Work Cale, Reed 2:36
5 Trouble With Classicists Cale, Reed 3:40
6 Starlight Cale, Reed 3:26
7 Faces and Names Cale, Reed 4:11
8 Images Cale, Reed 3:28
9 Slip Away (A Warning) Cale, Reed 3:04
10 It Wasn't Me Cale, Reed 3:29
11 I Believe Cale, Reed 3:17
12 Nobody But You Cale, Reed 3:44
13 A Dream Cale, Reed 6:33
14 Forever Changed Cale, Reed 4:49
15 Hello It's Me Cale, Reed 3:03

Summary: ℗ 1987 BMG Ariola
Feito no Brasil

Love and Rockets' Earth, Sun, Moon controla os excessos desenfreados de Express enquanto permanece psicodélico; o quase branco da capa dá uma pista sobre a música, já que muitas das músicas emergem de uma sopa de distorção de guitarra com ruído branco. Grande parte do disco aborda, de forma nebulosa, esperança e decepção; a faixa-título e "Youth" são duas de suas canções mais simples, porém mais comoventes. Não é de forma alguma um disco pop “normal”, é mais direto do que seu trabalho anterior e inclui o single animado “No New Tale to Tell”, um sucesso de rádio universitária que preparou o terreno para o sucesso popular da banda um ano depois.

Tracks
1 Mirror People Ash, Love and Rockets 4:05
2 The Light Ash, Love and Rockets 4:16
3 Welcome Tomorrow Ash, J., Love and Rockets 3:36
4 No New Tale to Tell David J, Love and Rockets 3:26
5 Here on Earth J., Love and Rockets 3:10
6 Lazy Ash, Love and Rockets 3:12
7 Waiting for the Flood J., Love and Rockets 3:38
8 Rain Bird J., Love and Rockets 3:17
9 The Telephone Is Empty Ash, Love and Rockets 3:59
10 Everybody Wants to Go to Heaven J., Love and Rockets 5:13
11 Earth, Sun, Moon Ash, Love and Rockets 3:34
12 Youth Ash, Love and Rockets 4:42

Summary: ℗ 1988 DG Discos
Hecho en Argentina

Rico em detalhes sonoros, o neo-psicodélico Express oferece uma experiência auditiva como nenhum outro álbum - guitarras espiralam a alturas vertiginosas a partir de leitos de som, arranjos giram, músicas mudam e sofrem mutações. “Kundalini Express” tipifica a abordagem de Love and Rockets, cantando vários versos antes de se abrir e ascender aos céus; As imagens e a filosofia religiosas orientais anglo-americanas predominam liricamente e, em conjunto com a música psicodélica, oferecem uma experiência quase quase religiosa. John A. Rivers (que também co-produziu o primeiro álbum de Love and Rockets) se supera com o som deste disco, oferecendo uma tela enorme e única para a banda pintar seu som: violões cristalinos cortam tons grossos e distorcidos, e o baixo é igual às guitarras e bateria. "Yin and Yang the Flower Pot Man" é extaticamente otimista, oferecendo um ritmo propulsivo, guitarras agitadas e baixo insistente - uma faixa compulsivamente dançante e que induz à felicidade. Enquanto isso, “An American Dream” é uma espécie de hino, com seções distintas que separam os climas de esperança, desilusão e aceitação.

Tracks
1 Angels and Devils Love and Rockets 6:09
2 It Could Be Sunshine Love and Rockets 4:59
3 Kundalini Express Love and Rockets 5:48
4 All in My Mind Ash, Love and Rockets 4:44
5 Life in Laralay Love and Rockets 3:32
6 Ball of Confusion (That's What the World Is Today) [US Mix] Love and Rockets, Strong ... 7:22
7 Holiday on the Moon Love and Rockets 6:11
8 Yin and Yang and the Flower Pot Man [mix] Love and Rockets 5:54
9 Love Me Ash, Love and Rockets 3:55
10 All in My Mind [version] Ash, Love and Rockets 5:07
11 An American Dream Ash, Love and Rockets 6:06

Summary: ℗ 1989 BMG Ariola
Feito no Brasil

Como o disco inovador da banda nos EUA, aproveitando o sucesso da esquerda da homenagem furtiva ao T. Rex, "So Alive", este álbum ainda divide os fãs da banda até o presente. As acusações de lotação esgotada são incrivelmente curiosas, porque além de "So Alive", absolutamente nada aqui parece ter chegado a algum lugar nas ondas de rádio. Enquanto Ash e David J estavam claramente dividindo seus esforços de composição, resultando em um álbum bastante esquizofrênico, o que eles estavam escrevendo e tocando eram algumas das melhores músicas de suas carreiras. David J consegue se entregar ao tradicionalismo do rock & roll e do blues em várias de suas faixas, começando com a abertura "**** (Jungle Law)", uma reformulação radical do antigo padrão "Signifying Monkey" com produção comprimida e uma batida quase industrial de Haskins. Outro filme antigo refeito é “Bound for Hell”, uma história do Diabo dirigindo um trem para baixo; David J executa seus vocais através de distorções estridentes, tocando gaita enquanto Ash toca uma linha de guitarra enorme e thrash. Talvez seu melhor número seja o mais atípico: “Rock and Roll Babylon”, um estudo farpado da fama com o sax de Ash e um quarteto de cordas dando corpo ao som lindamente. As músicas de Ash também revisitam algumas raízes, à sua maneira. "No Big Deal" e especialmente "Motorcycle" mostram que o homem tem ouvido algumas músicas de Jesus e Mary Chain, mas seu maravilhoso ronronar vocal as marca como suas próprias canções. Uma adição inesperada a tudo é “The Purest Blue”, uma reformulação radical de “Waiting for the Flood” de Earth Sun Moon, que não deixa quase nada do original.

Tracks
1 **** (Jungle Law) David J, Love and Rockets 4:34
2 No Big Deal Lash, Love and Rockets 4:59
3 The Purest Blue David J, Love and Rockets 3:44
4 Motorcycle Ash, Love and Rockets 3:30
5 I Feel Speed Ash, Love and Rockets 3:24
6 Bound for Hell David J, Love and Rockets ... 6:00
7 The Teardrop Collector Ash, Love and Rockets 4:09
8 So Alive Ash, Love and Rockets 4:15
9 Rock & Roll Babylon David J, Love and Rockets 3:21
10 No Words No More Ash, Ash, Love and Rockets 3:49

Summary: ℗ 1987 WEA
Feito no Brasil

Tracks:
Como Uma Onda (Zen-surfismo) 3:38
Adivinha O Quê 5:08
De Repente Califórnia 2:35
Tão Bem 4:03
Certas Coisas 4:10
Areias Escaldantes 2:11
Último Romântico 4:10
Tempos Modernos 4:13
Tudo Azul 3:37
Um Certo Alguém 3:33
Tesouros Da Juventude 2:18
Tudo Com Você 2:55